LOS VIOLENTOS AÑOS 20 (1939)

El bueno de Eddie Bartlett, tras combatir en el frente francés en la Primera Guerra Mundial, se dará de frente con una cruel realidad cuándo al volver a casa no logre recomponer su vida. Pero la llamada Ley Seca será una buena oportunidad de hacer dinero para emprendedores sin miedo a usar los puños como él.

Un título que, parapetado tras el cine de gánsteres habitual de la década de los treinta, presenta una estupenda radiografía de la sociedad norteamericana entre el final de la Primera Guerra Mundial y el crack del 29. La película es tremendamente dinámica y a lo largo de su hora cuarenta minutos un James Cagney nacido para este tipo de papeles pasa de taxista a líder de uno de los mayores grupos contrabandistas de alcohol de la década, y es que no por nada era el cineasta Raoul Walsh quien gritaba acción tras las cámaras. Atención a la presencia de un Humphrey Bogart antes de convertirse en una de las estrellas más reconocidas de la historia del cine. Y más curioso es que una película que habla de una norma tan polémica como la Ley Volstead acabara sufriendo en sus carnes las imposiciones de otra normativa, en este caso el Código Hays, para determinar un final moralizante para las andanzas del protagonista y sus compinches más malandrines.

CON LAS HORAS CONTADAS (1949)

Un hombre irrumpe en una comisaria con una historia sorprendente. Y es que le sucede lo que a Kiko Rivera en el mundo de la música, sabe que ya está muerto aunque parezca lo contrario.

Una de las hermanas pequeñas de ese cine negro filmado en la década de los cuarenta, con unos personajes menos interesantes que otros títulos del género, pero con una historia tan potente y original que ha sido objeto de varias revisiones posteriores, una de ellas protagonizada por la entonces pareja Dennis Quaid y Meg Ryan. Una película ágil, fresca y con un ajustado metraje, y donde su protagonista se presta a un constante corre corre tratando de dar con la persona que ha acabado con su vida, y con la inteligente idea de narrar toda la historia en flashback.

TERCIOPELO AZUL (1986)

Un joven encuentra una oreja en un descampado, y, entre que le come ese mismo miembro a la hija de un detective de la policía, mete en esta ocasión las narices en un turbio asunto donde acaba con los morros rotos. O lo que es lo mismo, todo un recorrido por los principales órganos sensoriales.

El título con el que David Lynch sentaría las bases de buena parte de su filmografía posterior, plagada de una pléyade de personajes que convierten en mundanos al pozí y al risitas, el uso constantes de luces estroboscópicas y una cadencia en el ritmo que en este caso nos recuerda a la propia canción que da título a la película y que popularizaría Tony Bennett. La cinta contaría ya con un puñado de actores recurrentes en la carrera del director, caso de Kyle MacLachlan, Isabella Rosellini o Laura Dern. Y si, es David Lynch, con lo que la película no es un recorrido fácil y sin ningún quebradero de cabeza.

MULHOLLAND FALLS (LA BRIGADA DEL SOMBRERO) 1996

 

La brigada del sombrero es una división de la policía de Los Ángeles formada por tipos con espaldas como un armario ropero, manos de pelotari retirado y propensos a los puñetazos intercostales. Y son como Atila, por donde pasan, ya no crece la delincuencia.

Lee Tamahori se trasladaría de su Nueva Zelanda natal a Hollywood para debutar con una película de cine negro rodada con oficio pero sin brillantez a pesar de poseer una fotografía de altura y un inmejorable diseño de producción que nos traslada a Los Ángeles de los años cincuenta. Pero lo mejor de la película lo encontramos en un acertado elenco principal con un cuarteto de tipos duros comandados por un imponente Nick Nolte a quien acompañará hasta el final un soberbio Chazz Palminteri con reconocidos problemas de ira. Y no puedo dejar de citar a una Jennifer Connelly con un magnetismo en cámara que hace creíble su capacidad para volver locos a todos los hombres que se cruzan en su camino. Tipos de mandíbula cuadrada, cigarrillos en la comisura de los labios y sombreros, muchos sombreros de ala ancha.

EL PRECIO DEL PODER (1983)

Tony Montana condensa en su escaso metro setenta toneladas de mala leche y ambición desmedida, lo que le lleva a que, sus aspiraciones, no se limiten a la cata del material con el que trafica.

Brian De Palma remakeaba el clásico de 1932 de Howard Hawks sustituyendo el alcohol por la coca como macguffin de una trama que justifique las acciones, casi siempre poco edificantes, de su protagonista. La ironía la encontramos en un relato construido por un Oliver Stone en plena dependencia de la cocaína, lo que lleva a un soberbio guion donde no hay lugar para la redención y si para la violencia. Al Pacino dejaba de lado el estilo pausado e inexpresivo de Michael Corleone para dar vida a un torbellino cubano incapaz de parar quieto medio segundo. Eso sí, listo como las ratas, capaz de ascender de chico de los recados a magnate de la droga llevándose consigo por el camino a una musa con la mirada de Michelle Pfeiffer. Y anda que no se han vendido camisetas con Tony Montana blandiendo su M16.

COTTON CLUB (1984)

Curioso el caso del club de ocio y música Cotton Club, y es que mientras denegaban el acceso a los negros, no tenían problemas en que el lugar fuera frecuentado por gánsteres, mujeres de moral dudosa e incluso diputados provinciales. Así se liaban las que se liaban en el local.

Coppola aprovecha esta historia plagada de personajes reales entre mafiosos, artistas y gente influyente, para mezclar en la coctelera el musical al más puro estilo Corazonada, con el cine mafioso siguiendo la estela dejada por El Padrino, y aunque no estemos aquí ante una obra con las hechuras de la película del clan Corleone, sí que podemos disfrutar de una ambientación que hace nos sintamos en el Harlem de finales de los años veinte, unos números musicales soberbios y alguna que otra gran secuencia made in Coppola (el montaje paralelo del tiroteo final a ritmo de claqué es buen ejemplo de ello). Richard Gere y Diane Lane están arrebatadoramente atractivos pero la mejor pareja de la película es la formada por los crápulas Bob Hoskins y Fred “Herman Munster” Gwyne. Y si, es Coppola, de ascendencia italiana, con lo que es normal que toda su familia trabaje en la película.

LA MATANZA DEL DÍA DE SAN VALENTÍN (1967)

En plena Ley seca dos bandas rivales libran una batalla por el control de las calles que obliga a que el alcohol, aunque prohibido para su ingesta, corra a raudales para tratar de curar todos los agujeros de bala en los cuerpos de los, por otra parte, siempre elegantes mafiosos. Que el matar no está reñido con el saber vestir.

Si con un fin de semana y treinta dólares Roger Corman era capaz de entregar una película solvente, imaginadlo con un millón de dólares de presupuesto. Es por ello que esta recreación del mítico asesinato múltiple ocurrido el 14 de Febrero de 1929 es su película más redonda a todos los niveles. Con un tono semidocumental muy acertado, el prolífico productor y director nos deleita con una violenta película que ni De Palma, ni Coppola, ni Scorsese pueden negar desconocen, porque es el padre inspiracional de todos sus filmes sobre la mafia que vendrían después.

LA DALIA NEGRA (2006)

En lo que supone la máxima representación de lo que es el golpe al sueño americano, la aspirante a actriz y estrella de cine Elizabeth Short acabará sus días de excesos de todo tipo de la peor de las maneras posibles, solo hay que leer el dictamen forense para darse cuenta de ello.

Tomando como base uno de los casos criminales más famosos del Hollywood clásico, James Ellroy escribió una novela que Brian De Palma adaptaría con cierta desgana en una película que resulta tan interesante de inicio como decepcionante tras el consabido The end. De Palma ofrece alguno de sus interesantes juegos visuales con la cámara, respecto al elenco principal decir que ellas están mejor que ellos, sobre todo en el caso de Hilary Swank, la ambientación es notable y la historia que cuenta un misterio con mayúsculas. Y sin embargo acabas con la sensación que te acaban de birlar una gran película. Aunque podía ser peor, que se lo digan a Elizabeth Short.

L.A. CONFIDENTIAL (1997)

En Los Ángeles de los años cincuenta eran muchos los y las jóvenes que llegaban a la ciudad con el sueño de convertirse en estrellas de cine, pero lo más que acababan eran haciéndose pasar por estas en un negocio de prostitución de lujo. Harvey Weinstein, aprendiz.

Cuándo el cine negro parecía abocado a morir y ser enterrado, Curtis Hanson y Brian Helgeland tomaron la novela de James Ellroy para escribir y dirigir la última gran película de este género. Con una pléyade de personajes, todos ellos con su punto de amoralidad, realmente grandiosos, el brutal guion acaba configurando un puzzle donde todas las piezas encajan con precisión. La película construye  así un ejercicio de degradación de instituciones como la policía, la justicia, la prensa e incluso el mundo del entretenimiento, no dejando títere con cabeza. Y todo para acabar resultando que la única esperanza la encontramos en esa prostituta émula de Veronica Lake y que nos descubrió que Kim Basinger, además de mito erótico, era una gran actriz, eso sí, casi siempre desaprovechada.

GILDA (1946)

En un casino ilegal de Buenos Aires, un estirado villano de opereta, un caradura tramposo con ganas de prosperar y una mujer fatal de caminar sinuoso creen ser los más listos del lugar, sin percatarse que el que conoce el percal  de verdad es el responsable de los lavabos del garito.

Título icónico gracias a una Rita Hayworth en estado de gracia y protagonista de una de las secuencias más míticas de la historia del cine, donde un meneo de melena y un guante juguetón exudan más erotismo que todas los momentos a cámara lenta de Los vigilantes de la playa. Pero Gilda es mucho más, hay que hablar de un brillante Glenn Ford, de una combinación de géneros perfectamente macerados y servidos, de una puesta en escena medida y certera, de unas líneas de guion en no pocas ocasiones soberbios y con grandes dobles sentidos…Una película para el recuerdo, aquel que acabo perdiendo nuestra adorada Rita Hayworth.

LA DAMA DE SHANGHAI (1947)

 

Un marinero de pocas luces pero contundencia en el uso de los puños se embarca por una hermosa mujer en un viaje en yate privado del que sabe no puede salir nada bueno.

Enmarcada dentro de ese cine negro de mujeres fatales, hombres manipulables e intenciones muy oscuras, Orson Welles presenta en La dama de Shanghai una película tan caótica y extravagante como hipnótica y cautivadora, demostrando el actor, director, guionista y amante compulsivo, que era un adelantado a su tiempo en lo que a técnicas cinematográficas se refiere, dejándolo patente en el portentoso juego de espejos final. Intriga, eso sí, el título, ya que la Elsa Bannister a la que da vida una Rita Hayworth convertida ya en musa del cine tras estrenar Gilda un año atrás, tiene poco de dama y nada de oriunda de China.

PERDICIÓN (1944)

Un exitoso agente de seguros con fijación fetichista por las pulseras tobilleras se encaprichará de la mujer de uno de sus clientes hasta el punto de cometer por ella las mayores atrocidades, como el asesinato o besar desaforadamente a su nueva partenaire sin tener en cuenta las mínimas medidas de seguridad para evitar el contagio por coronavirus.

Billy Wilder era tan consciente del brillante guion que manejaba que no le importó empezar por el final, y es que la película está tan bien escrita y rodada que poco importa que sepamos de inicio como acabará este triángulo (aunque lo mejor en este caso sería escoger un polígono con más caras) amoroso y letal. Perdición se erige de esta forma como uno de los títulos de cabecera del cine negro cuándo este subgénero ni siquiera existía como tal. Con una pareja protagonista que brilla a un gran nivel actoral, las mayores loas se las lleva sin embargo Edward G. Robinson y su hombrecito. Atención a los diálogos, puro Wilder y puro cine negro, y es que “lo maté por dinero y por una mujer, y ni conseguí el dinero ni conseguí la mujer”.

TAXI DRIVER

Travis Bickle, un mal seguidor de la doctrina de Casimiro, combate el insomnio conduciendo un taxi en las noches newyorkinas. Y le pasa lo que a cualquiera que se moviera entre proxenetas, atracadores, senadores y demás gente de mal vivir, que le entra una mala leche que tiene que combatir armándose hasta los dientes, cambiando de look a lo futbolista de élite y hablándole al espejo, hasta que le hace corto en la cabeza.

Uno de los títulos señeros del nuevo cine fundamentado en la década de la década de los setenta gracias a gente como el propio Scorsese, Coppola, De Palma, Lucas o Spielberg. Con una patina que estrenaría no pocos recursos fotográficos o de encuadres que a partir de entonces veríamos con asiduidad, la película contiene un excelente testamento musical de Bernard Hermann así como unas interpretaciones icónicas, con un De Niro imitado hasta la extenuación en su famoso e improvisado You talking to me? o una Jodie Foster pequeña en edad pero grande en talento. Una película de infausto recuerdo para el Presidente Ronald Reagan, para los demás un básico en la filmoteca.

EL IRLANDES (2019)

Frank Sheeran puede que desde que tuviera uso de razón no quisiera ser un gánster, pero acabará siendo uno de los mejores en lo suyo, un pintor de casas que rivalizaría en majestuosidad con el propio Miguel Ángel si al artista renacentista le hubiera dado por la brocha gorda, una broche del calibre 32.

Junto a Uno de los nuestros y Casino un triunvirato perfecto, una majestuosa obra sobre la mafia de manos de uno de los grandes en esto de la mafia y en esto del cine. Puede que en este irlandés Scorsese no muestre la misma soberbia técnica que en los títulos pretéritos en lo que al uso de la cámara se refiere, siendo una obra conscientemente más sobria en este aspecto, pero el resultado es el mismo, una epopeya vital que te mantiene pegado a la butaca durante sus tres horas y media. De Niro vuelve a ser De Niro, Pesci vuelve al cine para brindar una nueva interpretación de lujo y Pacino, bueno Pacino hace de Pacino, pero en esta ocasión el resultado está a la altura. Y nuevamente su director demostrando que además de gran cinéfilo es un excelente melómano.

EL PADRINO 2 (1974)

Michael Corleone, en su afán por mantener el imperio de malaje y delincuencia variada construido por su padre Vito a base de esfuerzo, sacrificio y dejar el río Hudson plagado de cadáveres con cemento en los pies, acabara llevando a su familia como el rosario de la aurora, en algo muy parecido a lo acontecido con el clan Pantoja.

Coppola y Puzo continúan desgranando la historia real de la mafia a golpe de ficción en una secuela por lo menos tan buena como la cinta de 1972. Además, en un alarde de juegos malabares con el montaje, nos cuelan en medio de esta secuela una maravillosa precuela, lo que acaba convirtiendo a El padrino 2 en una seprecuela apoyada una vez más en unas interpretaciones para enmarcar. Y no podemos dejar de decirlo, quanto è bello il sussurro italiano suoni.

EL PADRINO (1972)

Vito Corleone es un mafioso de los de la vieja escuela, asesino y delincuente, si, pero con honor y valores. Por eso cuándo le proponen incorporar a su catálogo de delitos el tráfico de drogas y el pago de cuentas B a partidos políticos decide que por ahí no va a pasar, y pasa lo que tenía que pasar, balaceras a decenas.

Francis Ford Coppola pasó un rodaje de aúpa, con la verdadera mafia fiscalizando la filmación de la película. Pero Coppola tenía en la recámara la novela de Mario Puzo, que adaptaba a la ficción muchos hechos reales, la grandiosa fotografía de Gordon Willis, una partitura icónica orquestada por Nino Rota y un montaje final de tijeretazo perfecto. Marlon Brando es el que se llevó todas las miradas de la crítica, pero el que lo borda es Pacino, secundado de un grupo de actores irrepetibles, Caan, Duvall, Castellano, Cazale…Y el final de la historia es que El padrino gustó tanto a la mafia de verdad que la convirtieron en su película de cabecera. Vamos, una oferta cinéfila que no podrán rechazar.

LA JUNGLA HUMANA (1968)

Coogan es un rudo ayudante de sheriff de Texas, digo Arizona, que viaja a Nueva York a recoger a un prisionero, teniendo tiempo más que suficiente para disfrutar de sus bulliciosas calles, sus luces de neón y las cortas faldas de las newyorkinas.

Primera de las colaboraciones entre la fructífera pareja formada por Don Siegel y Clint Eastwood, y aunque no es uno de sus mejores trabajos en comandita, si resulta un entretenido policiaco con sus buenas dosis de comicidad implícita. Para la ocasión Siegel tomó el romo personaje de vaquero adusto e impertérrito creado por Sergio Leone en sus spaguetti westerns, con el propio Esatwood como figura icónica, y lo traslado a un ambiente donde sentirse pez fuera del agua. Hay que reconocer además que gracias a La jungla humana pudimos por vez primera que Eastwood además de romper huesos podía romper corazones.

ERASE UNA VEZ EN AMÉRICA (1984)

Dos chicos, uno judío y otro hebreo se hacen amigos en plenos años veinte, es de imaginar que de dicha unión no puede salir nada bueno, y así es como poco después esta pareja es cabeza de cartel de un grupillo de gangsters encantados de haberse conocido.

Cuando hablamos de esta película como el testamento cinematográfico de Sergio Leone lo hacemos en el sentido más literal de la palabra, ya que los enfrentamientos con la productora por no ver cercenada su obra se llevaron por delante al mítico director vía ataque al corazón. Con un sobresaliente guion, un montaje para estudiar en las escuelas de cine y unos actores de matrícula de honor que más podemos decir sobre esta obra maestra. Vale, que el compositor Ennio Morricone ofrece aquí uno de sus mejores trabajos. Acomódense en el sofá, desconecten el móvil y déjense llevar por cinco horas de cine con mayúsculas. Que al fin y al cabo es lo que era el maestro Leone, puro cine.

EL LIBRO NEGRO (2006)

La Segunda Guerra Mundial está próxima a finalizar pero antes de eso habrá tiempo para que una joven judía descubra por las bravas cuan cierto es aquello que dice que todo puede ir a peor. 

Paul Verhoeven volvería a su Holanda natal para, amparándose en aquella frase hecha de que la realidad siempre supera a la ficción, filmar un peliculón de espías donde nada es lo que parece y donde el engaño es una constante. Con un ritmo endiablado, un suspense con mayúsculas y una protagonista capaz de, literalmente, enmierdarse por su personaje, El libro negro es una gran película con la que su director mantiene intactas sus señas de identidad principales. Puede parecer una más de nazis pero no se dejen engañar, o sí.  

TENIENTE CORRUPTO (1992)

Un teniente de policía de la ciudad de Nueva York tiene la sorprendente capacidad de aunar en una misma persona todas aquellas debilidades que a uno se le puedan ocurrir. Putero, corrupto, drogadicto, ludópata, incluso fan incondicional del futbol de Sergio Ramos.

Abel Ferrara ejercita una película construida con el perfecto manual del cineasta independiente, llegando en algunos momentos a parecer auténtico cine de guerrilla setentero. La película se sostiene en la impagable interpretación de un Harvey Keitel que, con su papel de agente de la ley poco amigo de los formalismos burocráticos, se desnuda en todos los sentidos, y aunque en algunos momentos a Ferrara se le va la mano con la duración de las secuencias, cuándo acaba la película, tan abruptamente como ha transcurrido, a uno le queda un mal cuerpo que cuesta de quitar.