EL HOMBRE DEL BRAZO DE ORO (1955)

Frankie es un tipo con una muñeca prodigiosa para aquello del reparto de cartas de póker, lo malo es que algo más arriba, en el brazo, tiene una vena amiga de las agujas, y no precisamente porque tenga el carnet de donante de sangre.

No podemos decir que Otto Preminger fuera amigo de dirigir películas fáciles y sin chicha, pero en este caso se superó a si mismo abordando un tema tan poco tratado en el cine, y mucho menos en los lejanos años cincuenta, como el de la drogadicción. Con unos maravillosos escenarios que emanan por los cuatro costados a esos enormes decorados de las grandes productoras de la época, la película es todo un decálogo de perdedores y gente de mal vivir, aprovechando Frank Sinatra para dejar claro que el Oscar por De aquí a la eternidad no fue casualidad. Aunque se agradece que entre esta recua de fracasados nos ilumine una figura redentora con el rostro de Kim Novak

EL JUICIO DE LOS 7 DE CHICAGO (2020)

Un batiburrillo de personajes entre los que encontramos hippies monologuistas, líderes estudiantiles que hace tiempo acabaron la carrera y padres de familia cuyo hobbie no es precisamente el bricolaje, se enfrentan a un juicio por disturbios, y que curiosamente será de todo menos justo.

Aaron Sorkin presenta, bajo un engranaje perfecto en la forma en que está montada la película, un título que es una brutal reivindicación de muchas cosas, y con el plus de basarse en unos hechos reales acaecidos en esos “felices” finales de los sesenta donde eran habituales los magnicidios y la llegada de féretros cubiertos por una bandera allende los mares. Se nota además la experiencia de su director como guionista, ya que el libreto de la película está a la misma altura que el montaje. Y qué decir de unas interpretaciones donde se agradece, entre otras cosas, ver a Sasha Baron Cohen (quien de inicio sigue enrocado en el tipo de papel pasado de vueltas con el que se ha dado a conocer) subir al estrado y dejarnos con la boca abierta. Uno de esos títulos a ver por quien cree a día de hoy que va a cambiar el mundo, básicamente para que sepa que será el mundo quien lo cambie a él.

ANIMALES NOCTURNOS (2016)

Una adinerada pero infeliz galerista recibe un manuscrito de su infeliz ex marido, un relato que hará aflorar en la mujer todos los infelices fantasmas del pasado, vamos, todo un jolgorio. Y no, no se trata de un relato novelado de las andanzas de Belén Esteban.

Tom Ford teje una red a varias bandas para tratar de hacernos pasar un mal rato y lo consigue de pleno, llegando a presentar secuencias como la del encuentro de la familia Hastings con tres auténticos hijos de mala madre que llega a ser asfixiante. Con una belleza plástica como la de las obras expuestas en la galería de la protagonista, la película presenta a la vez un trasfondo que tiene de todo menos estética preciosista. Y si el resultado acaba siendo el que es, es gracias a las brutales interpretaciones de Amy Adams, Jake Gyllenhaal o Aaron Taylor-Johnson, aunque mi favorito es sin duda ese agente de la ley hecho polvo a quien da vida un soberbio Michael Shannon.

CIUDADANO KANE (1941)

Charles Foster Kane es un híbrido entre Jesús Gil, Florentino Pérez y Eduardo Inda. Pero cuando muere solo en su mansión de tropecientas mil hectáreas y rodeado de millones en obras de arte, se cumple esa máxima que dice “se quedó sin nada cuando lo obtuvo todo” (vale eso último me lo acabo de inventar).

Contemporicemos. Hace ochenta años un chaval de veinticinco años prácticamente neófito en esto de la dirección se sacó de la manga no solo una de las películas claves de la historia del cine, sino que se atrevió a meterse de paso con William Randolph Hearst, en aquel entonces uno de los tipos con más poder de Estados Unidos. Welles ofrece en Ciudadano Kane una película diferente a todo lo que se había visto hasta entonces, con una narrativa rompedora y un uso totalmente desinhibido y brillante de una serie de técnicas fotográficas, planos, planificación de las secuencias y movimientos de cámara que no es que fueran innovadores en el momento de su estreno, es que lo siguen siendo hoy en día. Para muchos la mejor película de la historia, para servidor un título fijo en toda videoteca que se precie de serlo, y con uno de los grandes misterios de la historia del cine gracias a ese Roseboud con el que comienza y acaba la película, y que tiene detrás de la historia oficial una un poco más picante y que volvía a ser un nuevo dedo en el ojo de Hearst. Y es que Welles demostró agallas no solo por la historia que cuenta, sino por la forma en la que la cuenta, es lo que tienen los genios y los locos, y el afamado director y actor tenía algo de ambos.

MANK (2020)

Herman Mankiewicz, Mank para los amigos, es un alcohólico con afición a meter el dedo en el ojo ajeno y afamado guionista del Hollywood de los años treinta. Un día recibe un encargo, escribir el guion de una película que acabaría llamándose Ciudadano Kane, ¿les suena de algo?

Proyecto personalísimo de David Fincher (su padre escribió el guion de la película hace más de dos décadas) que filma en un pulcro blanco y negro y que nos devuelve, casi como si de magia se tratara, al Hollywood clásico de los años treinta, destapando por el camino las miserias de los grandes gerifaltes del cotarro. Una película que ya adelanto hay que ver unas cuantas veces para hacerse con toda la retahíla de nombres, acontecimientos y situaciones que plantea en un metraje de dos horas y cuarto donde no se deja de hablar un solo segundo. Un título con aspiraciones de clásico y que, arriesgo a decir, mejorará con cada nuevo visionado. Veremos que dice el tiempo.

LA CARRETERA (2009)

Un padre y su hijo andan, andan y andan, huyendo de un cataclismo mundial que deja en catarro de grado bajo la pandemia por el Covid19.

Una película que no es que te deje mal cuerpo, es que te genera tal desazón mientras la ves que, contrariamente a lo que pueda parecer, es la mejor razón para recomendarla. Sin explicar nada de lo que ha sucedido, ni falta que hace, el desconocido John Hillcoat ofrece un mundo devastado que es brutal, aunque ahí juega fuerte la impresionante fotografía de nuestro paisano, el vasco Javier Aguirresabore, quien ofrece un trabajo para nada gris. Viggo Mortensen ofrece un papelón, y sabiendo como es el actor a la hora de componer sus personajes, a saber que habrá hecho para dar vida a este admirable, a la vez que temible padre. Sin embargo quien nos roba el corazón es el jovencísimo Kodi-Smit-McPhee. Por cierto, debajo de la mugre y la porquería se encuentran intérpretes como Robert Duvall o Guy Pearce. Tan dura como recomendable.

LOS DEMONIOS (1971)

En la Francia del Siglo XVII en un convento tiene lugar un desmadre de tal calibre que deja en juego infantil las idas y venidas de los concursantes de La isla de las tentaciones.

Basada en un hecho real cuya explicación final tenía poco de demoniaca y mucho de terrenal, el cineasta Ken Russell tuvo la excusa perfecta para desplegar toda su parafernalia excesiva en el fondo, barroca en las formas y con ese afán constante por incomodar al respetable. Y es por eso precisamente que estos demonios acaban por saturar, por la insistencia de su director de resultar molesto con cada secuencia, aunque visual y arquitectónicamente la película llame la atención. Un desmadre en el que Oliver Reed parece disfrutar de lo lindo y con una Vanessa Redgrave contagiada por esa ida de olla colectiva que parece arrastró a todos los participantes en la película.

CINEMA PARADISO (1988)

 

El pequeño Salvatore es un niño con una cabezonería nivel riojano. Esa tozudez le lleva a soportar estoicamente todas las collejas maternas con tal de cumplir su sueño, que tampoco es que sea jugar en los juveniles del Real Madrid, sino ser el proyeccionista del cine de su pueblo.

Giuseppe Tornatore ofrece en Cinema Paradiso todo un cantazo. Un canto a la vida, un canto a la amistad, un canto al amor y, especialmente, un canto al cine. Una maravilla que desgrana entre sus fotogramas el mejor homenaje jamás filmado al séptimo arte, y con un final que te obliga a llorar a moco tendido si es que es sangre lo que recorre tu cuerpo. Philippe Noiret resulta maravilloso como el viejo Alfredo y el pequeño Toto ofrece una delicia de interpretación. Un título que nos enseñas que antes del formato digital, el croma y las películas de Marvel, ya existía el gran cine. Y, paradojas de la vida, un título que fue mutilado para su exhibición comercial, y no fue el Padre Adlefio y su campanilla los responsables de este recorte.

EL CLUB DE LOS POETAS MUERTOS (1989)

Un profesor con tendencia a incumplir las normas más que sus propios alumnos es enviado a una prestigiosa escuela. Lo que sucede a continuación es que acabaran subidos en los pupitres y arrancando las páginas de los libros, para que luego digan de la escuela pública.

Robin Williams se hace con un papel a su medida en esta conocida cinta melodramática que tira de sentimentalismo y buenas intenciones para lograr captar nuestra atención, ofreciendo el histriónico actor uno de sus mejores trabajos aunque sin desmerecer las interpretaciones del joven elenco que le acompaña. El resultado es notable, Peter Weir nunca ha entregado una mala película, pero el legado que la propia película ha dejado en el espectador la hace aún más grande. Un fijo en las proyecciones escolares, y la película que nos enseño aquello del carpe diem.

EL CURIOSO CASO DE BENJAMIN BUTTON (2008)

Benjamin Button es un tipo que hace suyo el dicho aquel de empezar la casa por el tejado, lo que no le impide vivir en una semana lo que a nosotros nos llevaría una vida entera.

Un título que contiene en sí mismo un montón de grandes historias  (la del relojero, el asilo de ancianos, el hombre al que le ha caído un rayo siete veces, el remolcador…), pero que es sobre todo una gran, gran historia de amor, pero del de verdad, no del de programas tipo Mujeres, hombres y viceversa. David Fincher echa los restos y obtiene una maravilla con la que es imposible no acabar con una lágrima recorriendo la mejilla. Y, aunque se empeñen en envejecer a Brad Pitt, su guapura está por encima de todas las capas de maquillaje o efectos visuales. Merece la pena dedicar tres horas a vivir la vida de Benjamin Button.

  

EL AVIADOR (2004)

Howard Hughes está tan podrido de dinero que todo lo que hace en la vida lo hace a full, bien sean películas, ingeniera aeronáutica, relaciones personales o manías varias.

Martin Scorsese pone la vista sobre la figura de un personaje complejísimo y absolutamente hipnótico, ofreciéndonos un biopic de altura donde cabe destacar una recreación de la época embriagadora mostrada mediante suaves y perfectos movimientos de cámara. Pero lo mejor de todo está en que si no te fijas en la ficha de imdb acabas creyendo que estás viendo en pantalla al auténtico Howard Hughes, especialmente tras el momento de su accidente de aviación, grande DiCaprio, y sobre todo a Katharine Hepburn, genuflexiones dirigidas a Cate Blanchett.

 

ADIÓS, MUCHACHOS

En 1944 en Francia se inicia un nuevo curso escolar, y para muchos su objetivo no es aprobar todas las asignaturas ni librarse de las collejas del matón de turno. Es lo que tienen las guerras mundiales.

El cineasta francés Louis Malle se desnuda (emocionalmente, no seáis mal pensados), en una gran película autobiográfica en la que durante buena parte de su metraje parece no pasar nada, y sin embargo pasa todo, para acabar con diez minutos finales en los que se te hace un nudo en la garganta. Todo un canto a la juventud y a la amistad a pesar de su dolorosa frase final. Uno de esos títulos de visionado obligado en las escuelas, por aquello de esos alumnos que piensan que no hay nada peor que quedarse sin batería del móvil a media mañana.

SALÓ, O LOS 120 DÍAS DE SODOMA (1975)

Como si fuera un chiste de Arévalo, un Duque, un Presidente, un Obispo y un Magistrado, en pleno estertor final del megalómano sueño de Mussolini de crear un Marina Dor en Saló, deciden morir matando. Lo malo, que no se conforman solo con morir matando.

Uno de los títulos referenciales a la hora de hablar de polémica en la historia del cine. Pier Paolo Pasolini iniciaba con esta película una trilogía sobre la muerte que no vería segunda entrega tras ser el director brutalmente asesinado antes del estreno de una película que da leña, además sin disimulo alguno, a todos los estamentos sociales en principio más intocables. Una película dura, desagradable, lasciva y repulsiva pero a la vez de tremendamente hipnótica. Hay quien se quede con el festival de degradación, hay quien se quede con la crítica que ofrece contra todo y hay quien se quede con que se han quedado con el tras el visionado de la cinta. Cine no apto para estómagos sensibles, pueden indigestarse.

DÍAS DE VINO Y ROSAS (1962)

Joe y Arnesen Clay son un feliz matrimonio que pasa sus días reciclando botellas de alcohol en el contenedor de vidrio, aunque para ello primero se las beben todas.

Con un título festivo, un director como Blake Edwards y Jack Lemmon como actor principal todo parece apuntar a una simpática comedia sesentera, y de hecho sus primeras secuencias parecen confirmar nuestras sospechas. Craso error, ya que Días de vino y rosas no habla de lo bien que lo pasamos de botellón el Sábado por la noche, sino de lo que nos duele todo el cuerpo el Domingo por la mañana, un dramón con el alcoholismo como eje central y donde Lemmon y Remick abordaron unos personajes complejos con nota. Una película que le quita las ganas a uno hasta de tomarse una Coca Cola Zero.

SALON KITTY (1976)

Puede que los nazis fueran muchas cosas, pero no eran unos hipócritas, y es que eran igual de canallescos con los de fuera que con su propia gente, capaces de montar un club de esos de lucecitas brillantes solo para espiar a los suyos.

El erotómano de pro Tinto Brass se sumaría a la moda de la Nazi explotation con una película donde volvía a demostrar que tenía talento y elegancia en el uso de la cámara, aunque sus filias siempre fueran las mismas, mostrar la carnalidad a flor de piel. Cuenta además con un actor de renombre como Helmut Berger por aquello de dar empaque a la propuesta y una belleza de carnalidad italiana pero pasaporte británico como la de Teresa Ann Savoy. Una película cuyo montaje entre abrupto y caótico hace temer recortes a discreción en la sala de montaje. Y es que si lo que quieres es unificar tu parafilia voyerista  con cierto interés por la belleza formal tu hombre es Tinto Brass.

 

UNA HISTORIA DE VIOLENCIA (2005)

Tom Stall es un tipo de lo más tranquilo y hogareño, hasta demasiado inane, lo que pasa es que como los muñecos a pilas, en su espalda tiene un botón de modo tranqui y otro de modo destroyer. Y ojo cuando se enciende el modo destroyer.

David Cronenberg sigue empecinado en abordar la metamorfosis humana, aunque en este caso dejando de lado la mayor literalidad carnal de esta idea presente en títulos anteriores y presentándonos a un Viggo Mortensen tratando de obviar una personalidad de la que no sentirse precisamente orgulloso construyendo una nueva identidad a la carta. El director no se amilana, nunca lo ha hecho, y muestra la violencia que el título spoilea de forma gráfica y visceral. Y para que veas que no todo es Marvel en el mundo de los comics, la película adapta la novela gráfica de John Wagner y Vince Locke.

NAVAJEROS (1980)

Un grupo de chavales de esos de los de cambiarte de acera, dedican su tiempo libre, antes de la llegada de los móviles y las redes sociales, al noble arte del tirón, el trapicheo y el hablar asín como con un deje mui chulo.

Una de las cintas pioneras del denominado cine quinqui y que presenta todas las constantes de este subgénero tan cañí, entre ellas las de contar con unos protagonistas cogidos en su mayoría de la misma calle y que, también en su mayoría, no llegarían a cumplir los treinta. Eloy de la Iglesia se posiciona abiertamente del lado de los canallas y contra las fuerzas del orden, posiblemente por su condición de “maricón y rojo” en pleno Franquismo. Una película que tiene mucho de La naranja mecánica de Kubrick y que es toda una radiografía de esa España de extrarradio de finales de los setenta y primeros ochenta donde el paro, la delincuencia y las jeringuillas eran las grandes protagonistas, y donde gente como El Jaro, muerto con diecisiete años y con un historial delictivo que deja en nada a Lex Luthor, eran los héroes a quienes imitar.

INFILTRADO EN EL KKKLAN (2018)

En la idílica y apacible década de los setenta un policía de pelo al estilo afro y tez tirando a oscura decide que lo mejor para demostrar su valía profesional es infiltrarse en el Ku Klux Klan. Pero lo más curioso no es su descabellada idea, lo más acojonante es que lo consigue.

Spike Lee no podía dejar pasar la oportunidad de contar la historia real de Ron Stallworth para continuar engrosando una filmografía desde la que combatir el racismo y ensalzar el black power. Con una pátina de comedia negra (ups) que encaja con la propia y alocada historia que cuenta, por más que sea basada en hechos reales, el director sin embargo no deja pasar demasiadas secuencias antes de recordar su verdadero propósito, combatir a través del cine un mal endémico que hoy día sigue muy presente. Y para que no se nos olvide acaba con un epílogo de los dejar mal cuerpo.  

PARÁSITOS (2019)

Una familia dedicada al noble arte de vivir del esfuerzo de los demás, hallará en una adinerada casa el nicho perfecto para acomodar los riñones, aunque al final los timados terminarán oliéndose la tostada.

Una película que te atrapa desde la primera escena y que sorprende en ese volantazo contralado desde la simpática comedia negra hasta mutar en thriller de infausto final. Con unos actores que derrochan frescura y buen hacer, la película no escatima  a la hora de soltar pedradas a diestro y siniestro, acabando allí donde esa primera escena nos había atrapado pero dejando patente cuan cierta es esa frase que dice que todo siempre puede ir a peor. Que se lo digan a los Kim.

VARSITY BLUES (1999)

Dawson, digo Mox, es un jugador del equipo de fútbol de su instituto con la sana costumbre de ganar todos los partidos. Aunque es lógico, ya que todos los integrantes del mismo bordean los veinticinco en lugar de los diecisiete de rigor. 

Aunque no juegue en la primera división de los dramas deportivos, Varsity blues sí que resulta una interesante película que constantemente hace cambios de juego entre la comedia juvenil, fiestas y borracheras incluidas, y el drama de un grupo de niños a los que se les obliga a sacrificarse como hombres llevándoles hasta el límite. Fútbol americano, temas musicales del momento y un grupo de guapos protagonistas conforman este típico producto que hubiera mejorado de haber acentuado el drama de la historia y hubiera optado por un final menos complaciente con el gran público.